Arte que vimos este otoño

Jul 20, 2023

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De nuestros críticos, reseñas de exposiciones en galerías cerradas en la ciudad de Nueva York.

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Por The New York Times

Hasta el 22 de diciembre. Luhring Augustine TriBeCa, 17 White Street, Manhattan. 646-960-7540; luhringaugustine.com.

Los destacados grabados del pintor neoexpresionista alemán Georg Baselitz no son muy conocidos en este país, condición que debe ser subsanada por esta exposición con calidad de museo de 42 grabados y xilografías que datan de 1964 a 1969. Todos contrastan una ternura de la técnica con tema extraño o discordante.

Inquietantes criaturas híbridas emergen de marañas de líneas finas y sutilmente frenéticas. En los primeros grabados, el artista aísla sobre el papel pequeñas formas abyectas. "Ohr (oreja)" es una cabeza deforme con un hocico, una nariz y una oreja de la que parece salir una lengua, mientras que la trompa de un elefante se enrosca en la oreja invisible. Pero pronto Baselitz se ocupa de toda la hoja, presentando a sus hombres frankensteinianos, identificados de diversas formas como partisanos, soldados, cazadores y "El Nuevo Tipo". Desaliñados y de huesos grandes, con cabezas pequeñas y rostros poéticos y preocupados enmarcados por cabello largo, visten uniformes militares y parecen haber salido del campo de batalla o de un bosque devastado.

En "Zwei Soldaten (Dos soldados)", dos hombres, a los que les falta una pierna, se inclinan uno contra el otro. A veces prevalece un sarcasmo, como en "Hirte (Pastor)", donde los tocones de los árboles y un cielo moteado preparan el escenario para una figura apenas perceptible que conduce dos grandes patos de juguete con un látigo de carruaje. La visión de Baselitz de la Alemania de la posguerra no era muy optimista en este punto de su carrera, cuyo progreso se rastreará en una segunda muestra de grabados, aún no programada en esta galería; todos provienen de una colección privada en Alemania. ROBERTA SMITH

Hasta el 23 de diciembre. Matthew Marks, 526 West 22nd Street, Manhattan. 212-243-0047; matthewmarks.com.

El gran escultor de cerámica Ken Price (1935-2012) sabía que, en el arte, la preocupación social y la belleza visual no se excluyen mutuamente; de hecho, incrustó inextricablemente uno en el otro con un efecto brillante. Seducir e iluminar. Su interdependencia quizás no fue más clara en ninguna parte que en su serie Pluto Ware de dos frentes, realizada entre 1993 y 2000 y exhibida en este revelador espectáculo por primera vez.

Aquí son más numerosas las pequeñas copas, cuencos y jarrones Pluto de cerámica vidriada, ricamente coloreados, que representan fábricas aisladas que arrojan humo y contaminan ríos en medio de paisajes áridos. Estas siluetas negras tienen una legibilidad de lenguaje de señas. El vacío circundante se define en tonos desafinados de azules, verdes, cobres, rojos y lavandas, a la vez exuberantes y tóxicos. Es como si el Precisionismo se filtrara a través de la paleta del Art Nouveau. Te das cuenta de que sólo quedan las fábricas; después del apocalipsis, serán los únicos edificios que quedarán en pie.

El segundo grupo de Plutón, aunque más pequeño, presenta vasos más imponentes, casi esféricos, llamados vasos bomba. Los que están aquí están en bisqueware de color blanco puro, cocidos con muy poco o ningún esmalte. Las fábricas y los paisajes están escasamente representados (generalmente delineados) en esmalte negro y tinta. El marcado contraste se siente terrible, como si todo el planeta se hubiera quemado. Dada la afinidad de Price por el suroeste de Estados Unidos, es posible que le recuerden los cuencos funerarios anasazi en blanco y negro, así como el papel maché. calaveras y esqueletos de las celebraciones mexicanas del Día de los Muertos. ROBERTA SMITH

Hasta el 23 de diciembre. Paula Cooper Gallery, 524 West 26th Street, Manhattan. 212-255-1105; paulacoopergallery.com.

Sabemos cómo se veían los avatares en el mundo digital de Second Life, cuando apareció por primera vez en nuestro radar: como nosotros, pero con ángulos en lugares donde las personas reales tienen curvas. Ahora imagina cómo nos veríamos en una versión mucho más antigua de ese mundo, llámalo Half Life.

Bueno, no tienes que hacerlo, porque puedes ver algo así en la vida real, en este espectáculo irresistible de Joel Shapiro.

La trastienda de la Galería Paula Cooper, donde tiene lugar la acción principal, presenta tres sólidos gigantes terminados en los colores más básicos de rotulador. A mis ojos, estos se leen como objetos, o personas, tomados del mundo real y reducidos a las más mínimas aproximaciones de sí mismos.

Colgando en el aire a la izquierda hay una caja naranja del tamaño de una cama tamaño king, pero con las facetas de un bloque de Cheddar cortado por un adolescente hambriento, llamémoslo mamá, tal como lo muestra una computadora con todos los potencia de procesamiento del control remoto de su televisor.

Colgando al otro lado de la habitación de ella podría estar Sis: una alegre caja amarilla esta vez, con facetas que la hacen ("ella") más esbelta.

Y entre ellos, en el piso, torres de papá, pintadas de azul eléctrico (como se prefiere en estos días para los trajes de negocios "cool") y construidas a partir de tres segmentos que veo como pies y torso y una cabeza apropiadamente cuadrada.

El mundo digital en el que nadamos ahora no es realmente tan primitivo como este, pero Shapiro ha destilado las reducciones que están en su corazón y nos obliga a caminar entre ellas. BLAKE GOPNIK

Hasta el 18 de diciembre. Bortolami, 39 Walker Street, Manhattan. 212-727-2050; www.bortolamigallery.com.

La exposición de pinturas nuevas de Ella Kruglyanskaya, "Keep Walking", se siente como una visita a un estudio, en el buen sentido. En lugar de ofrecer una serie de pinturas vinculadas por estilo y tema, presenta varias de ambas y en diferentes combinaciones. ¿El mensaje subyacente? "Tengo opciones, incluidas varias formas de pintar".

Las familiares mujeres de miembros gruesos con ropa ajustada del artista están aquí, exudando una energía erotizada, a veces amenazante, que puede ser a la vez caricaturesca y futurista. Pero hay mucho más. "Untitled (Last Flight)" nos muestra un gallo dando tumbos por el espacio: patas, plumas y pinceladas en jarras. Se precipita hacia un horizonte bajo, aparentemente del siglo XVIII; Me vienen a la mente las figuras aéreas de Goya, así como su manejo de la pintura. Cerca, "Good Intentions" contrasta los colores brillantes y las líneas garabateadas básicas para el estilo figurativo del artista. Excepto que están dispuestos libremente en bandas horizontales separadas, cada una aparentemente aplicada con uno de los cinco pinceles, que están sorprendentemente representados a lo largo del borde izquierdo de la pintura en el estilo a menudo menospreciado del hiperrealismo. Los dos pinceles que complementan el desnudo esbozado rápidamente en "La alfombra y las persianas" bien podrían ser reales.

En dos cuadros, el realismo se ve resueltamente perturbado por barridos pictóricos y títulos sugerentes. Una cama arrugada en tonos marrones apaisados ​​se titula "All Is Fair" y se convierte en el campo de batalla del amor. "Beyond Good and Evil" muestra una enorme pinza negra para el cabello conocida como pinza de garra, que insinúa un instrumento de tortura o una tarántula negra que protege a sus crías. El conjunto ampliado de habilidades de Kruglyanskaya es emocionante. Manténganse al tanto. ROBERTA SMITH

Hasta el 21 de diciembre. Pace, 510 West 25th Street, Manhattan. 212-421-3292; pacegallery.com.

Nacido en Cuba de padre chino y madre afrocubana, Wifredo Lam (1902-1982) creció en torno a religiones sincréticas del Nuevo Mundo como la santería, estudió pintura en Madrid y fue amigo de la mayoría de las figuras más importantes de la vanguardia parisina. , incluido Picasso, cuya colección de máscaras africanas causó una gran impresión. Después de regresar temporalmente a Cuba durante la Segunda Guerra Mundial, Lam llegó a ver su práctica como un "acto de descolonización". Lo que esto parece, en el espectáculo "La imaginación en el trabajo", es una línea de espíritus y dioses que, aunque reconociblemente afines al trabajo de otros pintores modernos, no se les ha limado su crujido espiritual. Mientras que Picasso tomó prestados estilos africanos para representar figuras europeas, Lam tomó prestadas técnicas europeas para pintar dioses africanos.

Las obras de la exposición, que incluye varios pequeños bronces, van desde la década de 1930 hasta la de 1970. Pero los verdaderos éxitos provienen de los años 40 y 50, particularmente una fila de "femmes chevals" o mujeres a caballo de Lam, llamadas así por sus rostros equinos y porque se dice que los espíritus, en una ceremonia de santería, "montan" el poseído. En un ejemplo sin título de 1955, una mujer arenosa, sin ropa, con una cabeza triangular, se yergue contra un rico fondo marrón. Su figura es afilada, con senos marcados y brazos sinuosos; pero la forma en que su melena se superpone a su hombro, y el patrón pálido grabado en su vientre, la hacen un poco irreal, como un espejismo hechizante. Apareciendo en un lienzo anterior, el mismo personaje es tenue y gris, como un cuerpo que se precipita desde el aire. HEINRICH

Hasta el 23 de diciembre. Marian Goodman Gallery, 24 West 57th Street, Manhattan. 212-977-7160; mariangoodman.com

Se podría pensar que a estas alturas el tesoro artístico de la fotógrafa Francesca Woodman, que en 1981 se quitó la vida a los 22 años, estaría completamente minado. Sin embargo, como lo indica el título del programa, "Francesca Woodman: Historias alternativas", todavía hay nuevas fotografías por revelar y contranarraciones para complicar el panorama general de la carrera demasiado corta de Woodman.

Lo que no quiere decir que los 21 grabados antiguos no expuestos anteriormente (extraídos del archivo de la familia Woodman) que se incluyen en esta muestra de 50 fotografías alteren fundamentalmente nuestra comprensión de su logro. Woodman, un surrealista de los últimos días, rastreó lo siniestro, encontrándolo en perspectivas extremas, posturas contorsionadas y poses teatrales. Los decorados que eligió, especialmente durante sus días de estudiante en la Escuela de Diseño de Rhode Island, en Providence, se asemejan a casas embrujadas, con pintura descascarada, tarimas gastadas y una luz lechosa que se filtra a través de cortinas de gasa.

A diferencia del grupo original de surrealistas con base en París, en su mayoría hombres que glorificaban y patrocinaban a las mujeres como portadoras de verdades profundas que se comunicaban con lo primitivo y lo natural, Woodman exploró la sexualidad femenina desde adentro, usando su cuerpo desnudo una y otra vez para hacer imágenes que fusionaban el calor erótico con el desplazamiento físico y psicológico.

Una foto recién vista, tomada en Roma durante su primer año en el extranjero, muestra a una amiga italiana que se inclina y sostiene la mano de una mujer, quizás la misma Francesca, que emerge de un agujero toscamente cortado en la pared. Es una escena de cuento de hadas sin ninguna pista para resolver sus misterios. ARTURO LUBOW

Hasta el 18 de diciembre. Jack Shainman Gallery, 513 West 20th Street y 524 West 24th Street, Manhattan. 212-645-1701; jackshainman.com

Radcliffe Bailey, con sede en Atlanta, ha extraído durante mucho tiempo fotografías familiares y encontrado materiales para ofrecer historias del Sur y los legados del Paso Medio. Su nuevo espectáculo, "Ascents and Echoes", toma un giro abstracto, inspirado en parte por los retratos de datos de WEB Du Bois de la América negra de la Exposición de París de 1900.

Mientras Du Bois buscaba claridad científica para demostrar los efectos secundarios de la esclavitud en los afroamericanos, las imágenes de Bailey fusionan la ciencia con otras formas de creencia: "Mi arte trata sobre la historia y el misterio de la historia", ha dicho. "Científicos, predicadores, embaucadores, son mis musas". En obras como "Slow Blues" y "Swept Away" (ambas de 2021), flechas, números y otras formas de notación, muchas de las cuales parecen aludir (aunque no siempre con claridad) a la historia del Pasaje Medio, contrastan lo expresionista y lo intuitivo. formas de hacer marcas.

"Nommo" se encargó originalmente para la Bienal de Estambul de 2019. Compuesto por tablones de madera que Bailey recogió de los astilleros locales y moldeados en forma de casco, mira hacia atrás y hacia el futuro de la trata de esclavos: la música de Arkestra emana de una radio de transistores, una alusión al sitio original de la instalación, donde el Afro -la futurista Sun Ra había actuado una vez. Ocho bustos de yeso idénticos representan a los esclavizados y los Nommo, espíritus ancestrales venerados por los Dogon, a quienes a veces se les llama Maestros del Agua. El resultado es una meditación no solo sobre la devastación sino sobre una capacidad casi sobrenatural para sobrevivir. ARUNA D´SOUZA

Hasta el 18 de diciembre. 47 Canal, 291 Grand Street, Manhattan. 646-415-7712; 47canal.us.

Las imágenes del cuarto solo de Nolan Simon en 47 Canal comienzan como fotografías, tanto encontradas como escenificadas, que Simon entreteje en Photoshop. Imprimiéndolas sobre lienzo antes de repasarlas nuevamente con óleo, llega a imágenes que flotan mágicamente entre la fotografía y la pintura, con colores saturados, acabados pegajosos y figuras sorprendentemente precisas. No te llevan flotando hasta el reino sin ataduras de la imaginación, pero te levantan del suelo.

Las escenas cargadas de un subtexto misterioso amplifican este efecto. Dos hombres con barbas extravagantes lamen un huevo en conserva negro que parece un juguete sexual; cuatro manos ordeñan un par de cabras en tres copas de cristal. A veces la pintura sirve para realzar un detalle bien observado, como el brillo plateado de una cafetera o la tensión de esas manos ordeñadoras, y otras veces Simon deja que se vuelva ornamental, como cuando las barbas de los lamehuevos descienden en cascada. de líneas grises onduladas. Las vistas a menudo no parecen más profundas que una estantería poco profunda; dos piezas incluso tienen marcos de madera de trampantojo.

Lo maravilloso de todo esto es que trata la ambigüedad del medio (imágenes visuales, podría llamarlo ahora, en lugar de solo fotografía o pintura) como una capacidad técnica en lugar de un enigma filosófico. No estoy seguro de por qué el artista llamó a su muestra "Poliamor", pero para mí alude tanto a la carga erótica de la obra como a esta ambigüedad. Sugiere que algo sexy está sucediendo en más de una dirección. HEINRICH

Hasta el 19 de diciembre. Situaciones, 127 Henry Street, Manhattan; situaciones.us. Club Ruibarbo, Manhattan; abierto con cita previa: [email protected].

Es un hecho que los padres dan forma a las identidades de sus hijos, pero si eres como yo, es posible que no hayas pensado mucho en la influencia que tú, como niño, has tenido sobre ellos. Una exposición en dos lugares del dúo de padre e hijo Reza y Mamali Shafahi, irónicamente titulada "Daddy Sperm", nos invita a pensar en el intercambio tanto familiar como artístico y cómo fluye en múltiples direcciones.

Los Shafahi comenzaron a colaborar en 2012. Reza era un luchador profesional retirado en Irán con trastorno obsesivo compulsivo y adicción al juego. Mamali, un artista profesional que vive en Francia e Irán, animó a su padre a intentar dibujar, y la idea se consolidó: hacer arte se convirtió en una rica forma de expresión para Reza. Mamali decidió entonces interpretar los dibujos de su padre convirtiéndolos en relieves escultóricos.

En Situations, las nuevas pinturas sobre papel de Reza se deleitan en mezclar lo sagrado y lo profano. Las referencias a la cultura estadounidense e iraní se subsumen en un mundo de sueños psicosexuales de colores brillantes donde las personas tienen múltiples apéndices y las hojas de los árboles tienen rostros humanos. Los dibujos anteriores de Reza en el Club Rhubarb son más discretos, creando una contraparte maleable para los relieves de su hijo. Las obras, de una serie titulada "Heirloom Velvet", son técnicamente más sofisticadas pero también más chillonas: Mamali usa flocado monocromático para acentuar la extrañeza de las imágenes de su padre.

Mirando los dos conjuntos de trabajo juntos, no hay sensación de comparación o competencia, solo una conversación intergeneracional que es igualmente fascinante y extraña. JILLIAN STEINHAUER

Hasta el 18 de diciembre. Cheim & Read, 547 West 25th Street, Manhattan. 212-242-7727; cheimread.com.

"The Last Paintings, 2017-2020", una exposición de obras de Ron Gorchov, quien murió el año pasado en Brooklyn a la edad de 90 años, nos permite considerar no solo sus últimos años, sino el ciclo de vida de la pintura en sí.

Se descascara de sus cuadros en forma de silla de montar, como los revestimientos de paredes que se desprenden después de años bajo la lluvia y la nieve. La pintura fluye hacia los bordes de cada obra después de correr a lo largo de un lienzo: las marcas del artista de una representación final natural.

Formas abstractas (generalmente dos y generalmente en lados opuestos) interactúan dentro de un campo de color, como si estuvieran en un viaje eterno el uno hacia el otro. Los colores son sencillos, agradables, nunca más de tres en cada uno de los 11 cuadros. Las superficies descoloridas parecen significar un acabado que tiene menos que ver con la perfección y más con la resistencia.

Hay otros signos de imperfecciones intencionales: en "Close Call", la pintura del fondo gotea en los límites de las formas en primer plano, interrumpiendo lo que habría sido la estratificación esperada. En algunas de las otras pinturas, uno no necesita mirar demasiado de cerca para notar irregularidades: los contornos de las formas anteriores aún son visibles en el lienzo.

Aunque cada pintura tiene una apariencia mínima, todo está presente y todo permanece; es como si cada obra hubiera acumulado su propia descomposición después del envejecimiento y la hubiera reciclado para volver a ser parte de la imagen. Así es como, al recoger y abrazar lo que parece roto y escamoso, Gorchov es capaz de resistirse a desvanecerse. YINKA ELUJOBA

Hasta el 13 de diciembre. SculptureCenter, 44-19 Purves Street, Long Island City, Queens. 718-361-1750; centro-de-escultura.org.

En estos días, los lazos del K-pop con el capitalismo global son difíciles de pasar por alto. (Tome el menú de McDonald's, que ofrece una comida Chicken McNugget respaldada por la banda de chicos coreanos BTS). Pero la artista estadounidense Diane Severin Nguyen usa el K-pop para ver algo diferente: el impacto de la inmigración y el intercambio cultural entre países con un pasado comunista. .

El trabajo principal de la exposición, un video titulado "Si la revolución es una enfermedad", está protagonizado por una protagonista vietnamita-polaca llamada Weronika, que vive en Varsovia y eventualmente se une a un equipo de baile local inspirado en grupos de ídolos coreanos. Mientras se mueven y sincronizan los labios con una canción sobre la revolución, Nguyen argumenta que el K-pop tiene mucho en común con el socialismo soviético. Lo que tal vez no sea descabellado: las estrellas del género a menudo viven en comunidad y realizan actos coreografiados. Al elegir a su actriz principal mediante la búsqueda de una intérprete polaca que compartía su apellido, Nguyen buscó una doppelgänger de un mundo alternativo posterior a la Guerra Fría. Si sus padres inmigrantes estuvieron a centímetros de mudarse a otro lugar por completo, este juego de "qué pasaría si" le resulta familiar.

En una habitación trasera en el SculptureCenter, las fotos de Nguyen (llamas, cabello trenzado y sustancias pegajosas irreconocibles tomadas de cerca) hacen eco de artistas feministas mayores que exploraron la abyección y la vergüenza corporal. En todo momento, Nguyen fusiona el melodrama cinematográfico con la sensación local de las redes sociales: la inexplicable apatía de los vloggers; vídeos de reacción rodados en dormitorios y plazas públicas. Si te gustan las emociones sin filtrar y las asperezas del panorama mediático actual, el último trabajo de Nguyen te resultará atractivo. AMANECER CHAN

Hasta el 11 de diciembre. Almine Rech, 39 East 78th Street, Manhattan. 212-804-8496; alminerech.com.

Olvídese de la reciente oleada de programas de televisión y películas sobre la familia real británica. Todo lo que necesito en el camino de los aristócratas son las pinturas de la artista irlandesa Genieve Figgis. Los miembros de la realeza no son los únicos sujetos de las pinturas decadentemente macabras de Figgis en "Reflejo inmortal": el título en realidad se refiere al género francés de novelas libertinas del siglo XVIII. Los aristócratas y otras personas elegantes también están bien representados en este espectáculo.

Las figuras en las pinturas de Figgis, y particularmente sus rasgos faciales, están dibujadas con una crudeza Art Brut, destacando su absurdo y ridiculez. Esto se amplifica con la técnica húmedo sobre húmedo de Figgis con pintura acrílica, que hace que las secciones de sus lienzos parezcan papel florentino, con motivos en espiral o yeso endurecido y picado. Las chicas de "Queens" (2021) lucen pelucas y lucen vestidos ondulantes, mientras que "Gente victoriana" (2021) retrata una galería de pícaros tragicómicos que también recuerda a una maravillosa cuadrícula de caricaturas dibujadas por el artista neoyorquino Robin Winters titulada "Conocidos metropolitanos", de 1974.

Las pinturas de Figgis evocan a artistas como Francisco Goya, Karen Kilimnik y Sofia Coppola, que también se centraron en la desafortunada realeza europea, o las críticas sociales del pintor simbolista belga James Ensor, el artista británico contemporáneo David Shrigley y la serie de televisión "South Park ." ¿Por qué molestarse en exhibir aristócratas? Porque son personajes extremos, dotados de un privilegio extraordinario pero, particularmente en las últimas décadas, bajo un intenso escrutinio. Con su amplia gama de patetismo y relacionabilidad, son especímenes perfectos para la pintura figurativa y, en manos de Figgis, comentan sobre la condición humana en general. MARTA SCHWENDENER

Hasta el 4 de diciembre. Paula Cooper Gallery, 521 West 21st Street, Manhattan. 212-255-1105; paulacoopergallery.com

En su obra temprana, políticamente afilada, la artista conceptual estadounidense Sarah Charlesworth (1947-2013) fue una narradora de la historia con ojos de nivel. Al fotografiar y editar visualmente las portadas de los diarios, registró lo que sucedía en el mundo, examinó cómo se entregaba la información y sugirió cómo nosotros, como consumidores, la recibíamos.

En "Modern History", la mini-encuesta absorbente de Paula Cooper sobre el trabajo desde la década predigital de 1970 hasta principios de la de 1990, vemos algunas de las estrategias de edición de Charlesworth. "Materialismo histórico: Serie Chile (para OL)", de 1977, documenta los acontecimientos en Chile, desde la elección del izquierdista Salvador Allende hasta el golpe militar de Augusto Pinochet, a través de las portadas de The New York Times, donde la historia cambia de lugar. y, por implicación, importancia. En "Movie-Television-News-History, 21 de junio de 1979", Charlesworth se centra en el asesinato del corresponsal de televisión de ABC, Bill Stewart, a manos de un soldado nicaragüense, aislando un fotograma turbio de un video del asesinato que apareció en periódicos estadounidenses. Ver la serie en secuencia nos convierte en voyeurs porno-violentos.

Y "Herald Tribune, 18 de enero-28 de febrero de 1991" reproduce la portada de un periódico, tal como aparecía todos los días durante la fase de la "Tormenta del desierto" de la guerra del golfo. Charlesworth borra todo el texto, dejando solo imágenes de figuras políticas, soldados no identificados y montones de armas. Sin subtítulos, nos quedamos con una imagen estetizada de hombres jugando a la guerra.

Si se ve como se pretendía, lenta y secuencialmente, el trabajo temprano de Charlesworth es uno de los más fuertes y sutiles del arte político de su tiempo. CHAVETA HOLANDA

Hasta el 4 de diciembre. Greene Naftali, 508 West 26th Street, Manhattan. 212-463-7770; www.greenenaftaligallery.com.

Steffani Jemison, una artista de Brooklyn en la facultad de la Universidad de Rutgers, tiene una excelente exposición individual en Greene Naftali.

Un nuevo video llamado "In Succession" ofrece una serie de primeros planos que llenan las paredes de cuatro hombres que practican algún tipo de rutina de pirámide humana, trepando y balanceándose entre sí. Otra proyección, titulada "Escaped Lunatic" (2011), muestra a hombres corriendo y dando tumbos por las calles urbanas. En "Broken Fall (Organic)", una pieza de 2008 presentada en un monitor, un joven se cuelga de los brazos de la rama de un árbol hasta que finalmente cede.

Todo esto debería parecer alegre, tal vez incluso cómico, y tal vez lo sería, si esto no fuera 2021, y esos hombres no fueran afroamericanos. Dado lo que sabemos de la vida de los hombres negros, un brazo colgado sin fin puede tener un olor a novatada o incluso a tortura, como si el joven de Jemison estuviera siendo probado en lugar de probarse a sí mismo. Correr y dar volteretas inevitablemente evoca evitación y escape. Los hombres trepando y agarrándose unos a otros nos hacen pensar en la lucha más que en el juego. (Aunque "In Succession" es en realidad una referencia a un informe del New York Times de 1931, sobre hombres negros que formaron una pirámide humana para rescatar a una mujer blanca de un incendio, y luego se fueron sin atribuirse el mérito de su acción).

Que estos videos sean de una mujer negra hace que el programa de Jemison se sienta como una investigación sobre el estado y el destino de la masculinidad negra, de alguien que lo conoce de primera mano pero que también puede verlo desde la distancia, a través de la brecha de género. BLAKE GOPNIK

Hasta el 5 de diciembre. Fotografiska, 281 Park Avenue South, Manhattan. 212-433-3686; fotografiska.com/nyc

El cuadro más famoso de Ruth Orkin se representó en Florencia. Aprendiendo de una joven estudiante estadounidense cómo los hombres italianos se comían con los ojos y abucheaban a las mujeres, Orkin la posó en un entorno pintoresco pero ligeramente sórdido, mirando al frente con una expresión incómoda mientras pasaba junto a un grupo de transeúntes masculinos. Tomada en 1951, la imagen ofrece una réplica feminista a una célebre imagen de Richard Avedon realizada cuatro años antes, de una modelo de Dior de pie en la decorosa Place de la Concorde de París, mientras tres jóvenes apreciativos pero respetuosos pasan a grandes zancadas.

Con motivo del centenario del nacimiento de Orkin, "Expressions of Life" documenta el logro de una fotógrafa pionera que, con su esposo, Morris Engel, también hizo una película encantadora, "Little Fugitive", que presagió la Nueva Ola francesa. (Una monografía recientemente publicada, Ruth Orkin: A Photo Spirit, ofrece un estudio más completo de su trabajo).

Orkin fotografió a celebridades, jóvenes amantes, compatriotas neoyorquinos y habitantes del nuevo estado de Israel. Pero donde realmente sobresalió fue en sus tomas de niños. De hecho, solo Helen Levitt la rivaliza en esa categoría. Esta exposición presenta una deliciosa secuencia, también de 1952, de tres niños jugando a las cartas, que fue el único grupo fotográfico en la muestra histórica "La familia del hombre" en el Museo de Arte Moderno en 1955.

En sus mejores retratos, Orkin también capturó al niño en los adultos. Junto a una conocida foto de un Albert Einstein riéndose a carcajadas, no te pierdas una maravillosa vista del fotógrafo Robert Capa que revela su irresistible encanto juvenil. ARTURO LUBOW

Hasta el 4 de diciembre. Andrew Edlin Gallery, 212 Bowery, Manhattan. 212-206-9723; edlingallery.com.

El artista Roy Ferdinand fue un gran acontecimiento en su ciudad natal, Nueva Orleans, donde expuso con Barristers Gallery hasta su muerte, de cáncer, a la edad de 45 años en 2004. También fue uno de los favoritos de la marchante neoyorquina Martina Batan. Pero los 28 impactantes dibujos en acuarela y rotuladores que se exhiben en Andrew Edlin constituyen su primer trabajo en solitario en Nueva York. Documentando un barrio empobrecido en el apogeo de la epidemia de crack, Ferdinand llenó las escenas que dibujó con licor de malta y armas automáticas. Los jóvenes posan con fusiles de asalto mientras sus mayores mendigan o esperan desconsolados el autobús; Las mujeres jóvenes generalmente se representan desnudas y, a menudo, de manera pornográfica, pero a veces también posan con ametralladoras.

Sin embargo, lo que es realmente sorprendente es el dominio de los detalles de Ferdinand. Fue autodidacta, lo que se puede ver en la inclinación que exhiben muchos de sus dibujos y en una afición un poco obsesiva por las contraventanas, las tablillas y otras excusas por el estilo de las líneas paralelas. Pero un dibujo inolvidable, de poco más de 2 pies por 3 pies, contiene una docena de personajes humanos vívidamente realizados, cuatro de ellos muertos por heridas de bala y dos, con uniformes de prisión, escabulléndose por un techo. Hay una similitud en los rostros: la mayoría de ellos tienen una expresión de desapego resignado, si no de entumecimiento traumatizado, ya sea que estén disparando a alguien o que les disparen a ellos mismos. Pero también hay una variación extraordinaria en sus detalles, una individualidad distinta a sus sujetos que hace que su fatalismo compartido sea aún más desconcertante. HEINRICH

Hasta el 21 de noviembre. La MaMa Galleria, 47 Great Jones Street, Manhattan. 212-505-2476; lamama.org.

Para la artista Betsy Damon, la década de 1970 fue una época de redescubrimiento: durante esa década, encontró el movimiento feminista, dejó a su esposo y se declaró lesbiana. También comenzó a actuar cubriéndose con pequeñas bolsas llenas de harina y pintándose el cuerpo y el cabello de blanco, con los labios ennegrecidos. Se autodenominaba la "Mujer de 7000 años" (1977-78) y caminaba lentamente en espiral mientras abría las bolsas con unas tijeras, liberándose simbólicamente de las cargas del patriarcado.

Damon ha sido eco-artista y activista desde la década de 1990. Su espectáculo "Betsy Damon — Passages: Rites and Rituals", comisariada por Monika Fabijanska, destaca sus primeras actuaciones feministas. Representados principalmente por fotografías y recuerdos escritos, son reliquias radicales de una época en la que muchos artistas de grupos oprimidos encontraban sus voces a través de la experimentación. El trabajo de Damon parece casi como una toma de conciencia creativa. En "Un santuario para todas las mujeres" (1980-88), se invitaba a las mujeres a escribir sus historias y colocarlas en pequeñas bolsas, que se colgaban como banderas para delimitar un espacio de comunión.

Puede ser difícil captar el poder de las piezas de Damon de segunda mano, pero lo que se manifiesta es su aceptación de la vulnerabilidad y el compromiso con la comunidad. Se abrió y desafió a otros a hacerlo también, y las fotos sugieren que tuvo éxito. Una imagen muestra a un grupo de personas viendo su actuación "Blind Beggarwoman" (1979-80) en Wall Street. Parecen mirar el arte con escepticismo, pero también están paralizados, una audiencia renuente que no está dispuesta a mirar hacia otro lado. JILLIAN STEINHAUER

Hasta el 21 de noviembre. Reena Spaulings Fine Art, 165 East Broadway, Manhattan. 212-477-5006; www.reenaspaulings.com.

Nacido en Mexicali, México, Reynaldo Rivera estuvo en California cuando era adolescente a mediados de la década de 1970. Allí, trabajando en fincas frutícolas y en conservas, encontró una cámara y aprendió por sí mismo a usarla. Se instaló en Los Ángeles y comenzó a fotografiar la escena de la música rock local, pero encontró su tema más absorbente en los bares de travesti de la ciudad, particularmente aquellos que atraían a una audiencia latina.

"Kiss Me Deadly", su debut en solitario en Nueva York en Reena Spaulings, se compone principalmente de fotografías en blanco y negro de esos bares y sus artistas: Miss Alex en el Silverlake Lounge; Melissa y Gaby en La Plaza, y Yoshi, el propietario/estrella de Club Mugy's. Lo que distingue la visión de Rivera de los artistas es que los toma en serio, les permite verse tan glamorosos, tan divertidos, hermosos, demasiado, como querían ser y lo fueron. No es un extraño mirando hacia adentro, sino un interno que captura un mundo que conoce y ama.

Es bueno que lo haya capturado, porque la vida de club de esa época, las décadas de 1980 y 1990, prácticamente se ha ido. La gentrificación, las drogas y el SIDA lo sacaron. Si quieres tener una idea más profunda, te recomiendo un libro de la obra del artista, titulado simplemente "Reynaldo Rivera" y publicado en 2020. Editado por Hedi El Kholti y Lauren Mackler, tiene muchas más imágenes que en la muestra. . También incluye valiosos ensayos de Luis Bauz y Chris Kraus, y un largo intercambio de correos electrónicos entre Rivera y la artista e intérprete Vaginal Davis, una veterana vital de la historia que este fotógrafo ha preservado. CHAVETA HOLANDA

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